第三届当代青年书法教育论坛纪要—— 王东声

董玮书法工作室

                                                                                                   

2018年1月13日下午，由董玮、李林、衣雪峰、贺进四位书法教育工作者发起、尚艺书院主办的“第三届当代青年书法教育论坛”在尚艺书院举行。本次论坛由北京语言大学副教授梁文斌主持，出席论坛的二十余位高校青年书法教师、高研班导师结合自己长期从事书法教学的经验，针对议题“书法‘美术化’和‘文化化’各自的利弊”进行了激烈的研讨，纷纷阐述了各自的观点和主张，其中不乏真知灼见。现将嘉宾们的发言纪要逐一刊发，希望能对广大书法教育工作者有所启发。

  本期嘉宾——王东声

王东声，北京理工大学设计与艺术学院副院长、教授，艺术理论研究部主任，硕士生导师。

王东声现场发言纪要

很早以前就收到董玮兄邀请，今天算是来书院赴约。实际上，有这样一个机会跟很多熟悉或不熟悉的朋友见面，感觉很好。说得简单一点，艺术确实是比较好玩的事。书法也好，国画也好，我们手中的一根毛笔，确实成为了承载我们人生状态的一个载体。不论你出于怎样一个目的，喜欢也好，为生活为生存也好，为理想也好，可能“快乐”就是维系我们所有工作的一个基本点。包括我们今天来研讨，想把一些话题掰扯掰扯，都会觉得很有快感很愉悦，就像你吃水果感觉很甜是很符合你味觉的，都是获得愉悦感的一种生命体验。我想说，我们几乎无时无刻不在体验着这种“愉悦感”，但是所获得的“愉悦感”的层次却千差万别。


上午的讲座中说到一点，就是赏鉴者对于一些作品的判断，是分为“有效评价”与“无效评价”两种的。一万个外行的赞许，也抵不上一两个内行高手的认可。也就是说，面对一件作品，不单单是专业人士和非专业人士才会有不一样的评价；专业人士里面，也会分为高、中、低各种层次。你处于什么层次，理解什么层次的人；你处于什么层次，理解什么层次的作品。


刚才说到现代性，文飞说的那点我特别理解。的确，不是一个角度，不是一个层面，理念和方式是不同的。比如说徐冰，就是一个典型个例。他有很好的造型功夫，有很好的家学，对书法也有研究，但是他早已远离了这些基本的东西。包括刘彦湖今天思考的东西，可能和我们很多人思考的东西是不一样的，你可以批评他已经远离了“篆刻”的基本概念，但是可能他已经超越了这个东西，或者说他觉得这个东西不过是“有无之间”的一种逻辑而已。人总是各有所好，各取所需，每个人都带着不同的目的。你不具备等量齐观的理解力与判断力，就不可能有等量齐观的鉴赏力。这个，是非常残酷的。


再有，说到书法的“美术化”也好，“文化化”也好，我的意见是，出现这样的现象，这样的方式，都是好事情。当然，如果所谓的“文化”是指谈什么“天人合一”这种层面，那我觉得我们今天可以不谈——我不是说不可以谈，是不要把我们的“文化”简单化，因为文化是一个大的系统，对一个人来说也是一样，他首先需要的是对价值观的确立，然后需要多方面的积累，长时间的修炼。而书法也不仅仅是拿着一支毛笔这样写那样写，点画、使转，以及一根线条的质感是光是毛的问题。如果我们仅仅是对这方面的思考，肯定是不够的。艺术需要天赋，需要对文化上的思考，对艺术史的思考，否则肯定是不行的。当然，这说法可能太绝对，但真的是这样。齐白石，虽然说后来傅雷批评他读书太少，但是齐白石所阅读的东西所讲的东西，他审美的东西他的喜好，他对于绘画造型的那种敏感与天赋，绝对是超人的。而且齐白石是有他的判断的，有人质疑他“连历史上那个谁谁你都不知道”的时候，齐白石回答说那谁对我没什么用——不是他不想知道，或者可能不是他不知道。这里说明一个问题，你的价值判断，你对知识的汲取与选取理念的方式方法，应该是更重要的。包括书法的“美术化”，我觉得不要把这个框钉得太死，好像超越了它就不行。艺术不是一条线，而应该是多维度的，开放性的，应该永远有着无限的宽度与可能性。


文艺复兴时期，达芬奇可谓是在艺术与科学两个大的学科领域都有着突出的表现，他是1+1=1的；苏东坡，好好做他的诗词不就行了吗？但是，不，他还要涉猎其他，对书法、中国画，包括对美食、水利、慈善等多个领域都有超人般的理解，甚至都提出了具有革命性的新理念与新路径。今天这个时代，学科划分太细太丰富了，有些东西被打开是必然的，所以很多行业又都在谈“多元化”、“融通性”、“复合型”等等。实际上艺术创作总是在寻求新感觉，寻求新的可能性的。二十世纪三四十年代，就在美国提出联邦艺术计划的前后，日本铃木大拙(1870~1966)师徒先后去美国传道的时候，他们有什么影响？作曲家约翰·凯奇（John Milton Cage Jr，1912-1992)后来创作了《4分33秒》，钢琴家和乐团在台上，观众在台下，但是指挥也不指挥，乐手也不弹奏，整个过程都没有任何演奏就谢幕了。你说凯奇的这件作品意义又何在？他与劳申伯格(Robert Rauschenberg,1925-2008) 、卡普罗(Allan Kaprow ,1927-2006)、约翰斯（Jasper Johns，1930-1988）等艺术家都是同时代的，他们的创作都深受禅宗理念的影响。实际上，他的这件作品已经不仅仅是音乐，而是从音乐出发，最后成为了一件行为艺术。


对我们现今的艺术教育体系产生深远影响的林风眠，曾经在自己绘画里面提出了一个什么概念呢？即无所谓西画，无所谓中国画，他想打破这两者之间的界限，他做彩墨。今天，油画和国画的边界在哪里？画种固然有分别，但实际上很多理念很多因素也越来越模糊。比方说我了解到俄罗斯的巴什雷科夫，1945年出生，他就非常迷恋中国的老庄、禅宗，他读陶渊明，读苏东坡，读王维，他是这样一个人，他现在就生活创作于莫斯科，他的绘画就追求“大象无形”、“大音希声”的那种品调。可以说，法度、法则、规范，都是对前人文化遗产的总结。但是，石涛说“至人无法，非无法也，无法而法，乃为至法。”尼采说“天才创造规则，庸才跟着走。”的确如此，你没有勇气去突破边界，没有识辨力，没有能力去为艺术史塑造新内容的话，你只是考虑写写字、画画画，就为了糊口，把日子过好这无可厚非，但你的行为可能就与艺术史无关。


今天特别抱歉，我上午开始讲座的时候，我就说要给大家来“泼冷水”，今天下午又是在“泼冷水”。当然，我只是说了一些我个人化的观点，可能比较偏狭，不一定适用每一个人，甚至不一定对。但我说的意思是，我们毫无艺术观、毫无艺术史观的所谓日常创作，我们多画一张、多画十张、多画一百张意义又何在？当你真正深入去读像黄宾虹、石鲁、吴大羽，包括塞尚

(Paul Cézanne,1839-1906)

、博伊斯

(Joseph Beuys,1921-1986）

这样的艺术家时，你会觉得，你没有达到这些艺术家思考的那种高度与纯度，没有那种等量齐观的视野和判断力的话，我们所做的工作可能真的就是那种“自娱自乐”的一件事情而已。当然我谈的已经超越今天这个话题了，非常抱歉。

2017，尚艺书院都干了啥？
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